This week on HowlRound, we look at the city of Montreal through the lens of several artists, who navigate its theatre scene. This series not only explores the dynamics of Montreal’s English and French theatres, but also takes a look at the work being done towards gender parity, and diversity and inclusion. On the mainstages of French theatre in Montreal, the lack of equal representation of immigrant populations is an emerging issue. Isabel dos Santos knows first hand what it means to manage a life in theatre as an immigrant artist. Along with other artists and organizations, she has dedicated part of her career to advance the cause for many who don’t fit the idea of Québécois theatre. And the work is far from being done. —Arianna Bardesono, series curator

The following text was translated from French by Bobby Theodore.

With a nod to Magritte, “This is not a sofa” is the warning I wrote on a small yellow post-it note that I stuck on my computer after Arianna asked me to write about diversity in the Quebec theatre scene. But it’s nearly impossible to think about this topic without including myself. It permeates my body, colors my perceptions, and guides my artistic and civic actions. Here’s the reason behind my cautionary note. The subject of this text puts me in the public eye and, by its nature, puts my body in a much more intimate place. I couldn’t write this without telling you about the fear that grips me whenever I’m asked to speak outside my adopted land, Quebec, about the tensions running through the theatre world here, and the exclusion and alienation experienced by diverse artists. It’s a very complicated subject. Whenever the topic of diversity (or rather the absence of diversity on stage) comes up here, as it often does, the discussion doesn’t immediately go to representation, or how we view one another in Quebec and Canada. Instead the conversation is taken over by people who often see this complex issue as part of a greater, nobler debate on independence, while others use the issue to sway votes their way.

Recently in Quebec, various voices from public institutions/organizations, theatre associations, journalists, and some artists from the cultural majority have begun denouncing the overwhelming absence of cultural diversity in the performing arts with more regularity and vigor. And they’ve begun demanding that those responsible for maintaining the status quo (by inertia or lack of vision) implement policies that would end this socially inequitable and conservative artistic situation. And though Québec is no longer a homogenous society, theatre institutions here refuse to acknowledge this new reality and keep playing a leading role in a somewhat lighter version of Oedipus at Colonus.

actors on stage in costume
The cast of The Poster by Phillippe Ducros in the 2011 co-production by Teesri Duniya Theatre and Infinitheatre Company. Photo courtesy of Teesri Duniya Theatre.

In Montreal, Quebec’s largest city, 50% of the population are immigrants or come from an immigrant background. But the majority of the theatres here continue to produce shows that are white in their casting as they are in the stories they tell. According to the Conseil québécois du théâtre (CQT/Quebec Theatre Council) numbers for the 2014-2015 season, only 10.5 % of contracts were offered to diverse and aboriginal artists. Lately, when I go to the theatre in Montreal, I often ask myself why the majority of the plays here create worlds where the Other doesn’t exist. Why do the issues being raised typically revolve around what preoccupies the non-immigrant middle class? Why do so many actors have the same physical appearance, as if they’re prefabricated from a mold? When I exit the theatre, however, I’m struck by all the different complexions and accents everyone has outside of the space. Too many people outside of the theatre are far removed from the stage that’s supposed to be reflecting them.

This deliberate exclusion of minorities and aboriginals by Quebec theatres (and TV shows) has consequences. Theatres that are slow to realize their role is to create a new collective imagination and pluralistic spaces will continue to alienate culturally diverse audiences. All the world might be a stage, but the stages here are only speaking to a very small part of that world.

Even with that said, I have to make another warning now. I’d be remiss if I denied other important aspects of the Quebec theatre scene. The picture I just painted would be biased. It’s important to note how incredibly creative and of high calibre Quebec theatre is. Yet, standardized practices often work against integrating actors with immigrant backgrounds. These things aren’t born out of a closed-minded mistrust of creative forms from elsewhere, but rather as a response to the greater need to do more with less. Theatre might not be fighting the same battles as assembly lines do, but it’s facing similar demands to produce product faster with less money.

vintage photo of a group of actresses
Theatre du Rideau Vert 1968: The original production of Les Belles-soeurs by Michel Tremblay. Photo by Guy Dubois/Montreal Gazette. 

In 1968, two brilliant young artists, director André Brassard and playwright Michel Tremblay, premiered a play in Montreal that would become a hallmark of Quebec theatre: Les Belles-sœurs. This play made a huge impact on Quebec theatre and culture. It was able to reflect the Quebecois people in a way they could finally recognize themselves. Who will see everyone in Quebec today without excluding and with compassion—bringing their hopes, dreams, and the way they see their individual and collective destinies to the stage—like Tremblay did?

The challenge of having more diversity on stage isn’t a problem limited to Quebec. Other artistic communities are fighting different forms of discrimination—it’s not just about ethnic origins, or gender. Other people’s experiences and successes are sources of inspiration. Slowly, in Quebec, things are now starting to change and are moving in the right direction. Several larger theatres have recently announced their willingness to make room for diversity and have taken concrete steps to accomplish this. For example, the Théâtre de Quat’sous’ new season will open with a performance/protest that’s going to touch on all aspects of diversity. At the Théâtre d’Aujourd’hui, director Olivier Choinière has put out an open call for diverse artists to audition for his new play, and has proclaimed: “diversity as a subject doesn’t interest me…I want to put a mixed cast on stage without the play being about exile, cultural origins, identity, or the Other.” The Union des Artistes (UDA) has a diversity committee that I’m on, and they are doing their best to give diverse artists the tools they need to succeed. UDA’s advanced training program has just launched a series of workshops addressing the needs of diverse artists. Le Centre d’auteurs dramatiques (CEAD/The Playwrights Centre) has recently committed to giving ongoing support to diverse playwrights. Overall, we’re making progress. And we’ll arrive, like poet Gaston Miron says, “at a real beginning.”


« Ceci n’est pas un divan ». Voilà l’avertissement en forme de clin d'œil à Magritte que j’ai écrit sur le petit post-it jaune que j’ai pris soin de coller sur le cadre de l’écran de mon ordi lorsque Arianna m’a appelée pour me demander d’écrire sur la diversité dans les arts de la scène au Québec. C’est qu’il m’est presque impossible de penser ce sujet à l’extérieur de moi. Il traverse mon corps, teinte ma perception et oriente mes actions citoyennes et artistiques. Voilà la raison de ma petite mise en garde. Par son sujet, ce texte place ma tête sur le territoire public et, par sa nature, garde mon corps plongé dans l’intime. Aussi, je ne pourrais l’écrire sans vous dire d'abord ces peurs et ces craintes qui m’assomment et me consomment quand je dois, en dehors de ma terre d’adoption, le Québec, parler des tensions qui traversent actuellement son paysage théâtral et, plus particulièrement, de la situation d’exclusion vécue par ses artistes issus de la diversité et du sentiment d’aliénation qu’ils ressentent. En effet, il n’est pas rare qu’aussitôt nommée, la question de la diversité (ou plutôt l’absence de diversité sur la scène) ne se déplace très rapidement sur le terrain de la représentation que se font, l’un de l’autre, le Québec et le Canada. Un affrontement auquel cette problématique n’est certainement pas complètement étrangère, mais qui ne peut plus la contenir dans toute sa complexité, alors que quelques-uns voudraient continuer à la considérer comme subsidiaire d’un débat plus grand et plus noble, celui de l’indépendance, et d'autres chercheraient à la manipuler et l'instrumentaliser dans une logique de comptabilité des votes, là où il n’y a pas d’états d’âme.

Ces derniers temps, au Québec, plusieurs voix d’organisme public (CAM), d’associations du milieu (UDA, CEAD, DAM, CQT), quelques journalistes (Marc Cassivi/la Presse, Cathy Wong/le Devoir) et quelques artistes de la majorité ethnoculturelle (comme celle de la présidente de l’Union des artistes, Sophie Prégent) ont commencé à dénoncer cette absence presque totale de représentation de la diversité dans les arts de la scène avec plus de constance et de pugnacité, et à demander aux responsables de ce statu quo (du moins par leur inertie ou manque de vision) de mettre en place des politiques pouvant mettre fin à cette situation artistiquement conservatrice, et socialement inéquitable. En effet, même si le Québec d’aujourd’hui n’est plus une société homogène, les institutions théâtrales refusent d’en rendre compte et jouent en boucle le rôle-titre d’une version allégée d’«Œdipe à Colone».

Le fait est qu’à Montréal, la plus grande ville du Québec dont 50% de la population est issue de l’immigration, ses théâtres continuent de présenter majoritairement des spectacles tout lisses et tout blancs, autant au niveau de la distribution artistique que des récits. En effet, selon les chiffres du Conseil québécois du théâtre (CQT) pour la saison 2014-2015, seulement 10,5 % des contrats ont été offerts aux artistes de la diversité et autochtones. Aujourd’hui, à Montréal, lorsque j’assiste à une représentation théâtrale, je me demande très souvent pourquoi la majorité des textes d’ici se réfèrent à un imaginaire où l’Autre n’existe pas; pourquoi les questions soulevées tournent toujours autour de préoccupations qui intéressent la classe moyenne de souche; pourquoi les corps des acteurs y sont toujours de la même «couleur» physique et audible, comme s’ils avaient été formatés d’avance par un moule privilégiant à tout prix la consanguinité sociale. Puis, je retourne dans la rue et c’est le choc : dehors, le monde que je croise est de toutes sortes de couleurs et d’accents, absents de la scène qui supposément devrait être capable de les représenter.

Cette dissimulation volontaire des minorités et des autochtones des théâtres du Québec (et des autres fictions télévisuelles) a des conséquences : le théâtre tarde à assumer le rôle qu’il devrait volontairement jouer pour la construction d’un «lieu de mémoire» et d’un nouvel imaginaire collectif québécois véritablement pluriel, et s’aliène ainsi, jour après jour, le public de la diversité culturelle. Le monde est peut-être un théâtre, mais les théâtres bien de chez ne nous fait entendre que la parole d'une partie de ce monde...

Il faut que je fasse ici une autre mise en garde. Je me sentirais trahie par mes propres mots s’ils annulaient d'autres pans de la mouvance théâtrale québécoise et mon portrait en sortirait biaisé. Car il faut aussi dire la qualité et la capacité inventives incontestables du théâtre québécois. D’ailleurs, il serait aussi injuste de ma part de ne pas rappeler que certaines pratiques qui agissent comme un frein à l’intégration des acteurs issus de l’immigration, comme l’est, par exemple, celle de la standardisation des pratiques de jeu, ne sont pas tant le fruit d’une fermeture ou d'une méfiance aux formes de création venues d’ailleurs, mais plutôt la réponse trouvée pour faire face au besoin de faire toujours plus, avec de moins en moins de moyens. Théâtre et travail à la chaîne, ce n’est peut-être pas le même combat, mais les diktats de production ordonnent d’aller toujours plus vite, toujours avec moins d’argent…

C’est en 1968 qu’un duo de jeunes artistes inspirés, le metteur en scène André Brassard et l’auteur Michel Tremblay, ont présenté à Montréal une pièce de théâtre qui deviendrait l’emblème de la naissance du théâtre Québécois: Les belles-sœurs. Cette pièce aux multiples répercussions aux niveaux théâtral et social a été capable d'offrir au public une représentation du peuple québécois dans laquelle il a su se reconnaître. Faut-il espérer qu’un nouveau Tremblay soit capable de regarder tous les Québécois d’aujourd’hui, sans exception et avec amour, pour traduire sur scène leurs aspirations individuelles et sociales actuelles et la perception qu’ils se font de leur destin individuel et collectif?

Le défi de créer des scènes plus ouvertes à la diversité n’est pas exclusif au Québec. D’autres communautés artistiques se battent contre d'autres discriminations, car elles ne se résument pas à l’origine ethnique. Les expériences et pratiques positives des uns et des autres peuvent toujours nous inspirer. Lentement, au Québec, les choses ont commencé à changer. Les actions se multiplient en ce sens. Plusieurs Théâtres ont récemment annoncé leur volonté de faire plus de place à la diversité et ont posé des gestes d’ouverture concrets. Certains sont encore trop timides, mais d’autres se montrent animés par un projet qui s’appuie sur une véritable vision artistique. Par exemple, au théâtre de Quat’sous, la nouvelle saison s’ouvre avec un spectacle-manifeste qui aborde la diversité sous toutes ses coutures. Au Théâtre d’Aujourd’hui, le metteur en scène Olivier Choinière innove en ouvrant les auditions aux artistes de la diversité en déclarant, dans un texte coup de poing, « la diversité comme sujet ne m’intéresse pas. (…) Je veux mettre en scène une distribution métissée sans que le sujet de la pièce soit l’exil, les origines, l’identité, l’Autre». À l’intérieur de l’UDA, un comité de la diversité dont je fais partie travaille à mieux outiller les artistes de la diversité et son programme de formation continue vient de lancer des ateliers qui répondent à des besoins exprimés par des artistes issus de la diversité. Le Centre des auteurs dramatiques (CEAD) s’engage depuis peu dans l’accompagnement soutenu des auteurs issus de la diversité. Nous avançons. Et nous reviendrons « à ce qui commence » (Gaston Miron).