Seuls en Scène Festival 2020 / Festival Seuls en Scène 2020

The Show Must Go On / Le spectacle doit continuer

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I’m going to come right out and say it: I hate Zoom plays. That doesn’t mean I won’t watch Zoom plays, or that I have any ill-will towards their creators—I’ve even benefitted from the experience of having Zoom readings of my own work over the course of the pandemic. But! I attend Zoom plays with a sense of obligation, of fulfilling my theatrical duty, never with that frisson of eager anticipation one whiff of a dark theatre can conjure for me. So it was something of a relief to hear Florent Masse, a senior lecturer at Princeton University and artistic director of the Seuls en Scène French Theater Festival, admit, “Virtual theatre is not my cup of tea, bien sûr [of course].” And yet, faced with the reality of the pandemic, Masse rose to the challenge of programming this year’s edition of the festival entirely online, and I have to say, I enjoyed it.

Masse founded the Seuls en Scène Festival in 2012, working closely with the Conservatoire National Supérieur d’Art Dramatique in Paris—a partnership that has continued to this day—and the festival has grown exponentially ever since. In the spirit of artistic exchange, Seuls en Scène provides French and francophone artists an opportunity (for many, their first) to perform in the United States, and also provides unparalleled access for American audiences to witness their work, with free tickets to all performances. This year, in the throes of the pandemic, Masse, like innumerable other programmers, had to scramble to reinvent this September’s offering. Masse closely followed the Festival d’Avignon’s decision-making process, one of France’s most prestigious theatre festivals and a role model to programmers worldwide, watching as they announced their summer programming on 8 April 2020 and then entirely canceled their festival a mere five days later. Although Masse held out hope for as long as possible at the beginning of quarantine, by May he made the decision to go virtual with this year’s edition.

a desert road leading toward mountains

Photo taken by playwright Penda Diouf during her travels in Namibia, detailed in her play Pistes, a reading of which was featured at Seuls en Scène Festival in October 2020.

Masse wasn’t interested in simply asking artists for video recordings of the works he had intended to present this year and instead came up with a programmatic mix of video recordings of live performance, “staged” readings, one making-of documentary, and a series of docutheatre works. In addition, Masse conducted a state-of-the-field conversation with three professional arts administrators from influential French theatres (the Comédie Française, Festival d’Avignon, and Festival d’Automne) and offered audience talkbacks following most of the theatrical works presented. Masse drew inspiration for his varied program from the Festival d’Aix-en-Provence, which helped audience members avoid Zoom fatigue and kept the festival from feeling formulaic by offering content that was both live and pre-recorded, and a blend of video, audio, and text pieces for festival attendees to engage with.

The virtual festival took place 10–20 September 2020, and many of this year’s artists were interested in how digital space changes an audience’s relationship to the work they’re watching. Pieces like Emilie Rousset and Louise Hémon’s Rituels series were created pre-pandemic precisely for this semi-cinematic, semi-theatrical space, combining the artists’ talents as theatre and documentary filmmakers, respectively; the Rituels series examines four different human rituals (birthdays, voting, sea baptisms, and presidential debates) through one actor recounting verbatim text from interviews with several professionals working in each respective industry, satirizing both the content of the interviews and the documentary style. Another piece that adroitly bridged the gap between the two media was Marion Siéfert and Mathieu Bareyre’s documentary recounting the making of the theatrical work Du sale ! Their film highlights the opportunity this digital shift offers for collaboration, giving viewers a dynamic peek into their process rather than a flat, filmed version of their product.

Masse wasn’t interested in simply asking artists for video recordings of the works he had intended to present this year.

Several artists expressed in our interviews how they’ve grappled with their resistance to making the transition to a virtual world, with many refusing other theatres’ requests for virtual work this year. Penda Diouf, who created a video reading of her script Pistes… for the festival—a story weaving Diouf’s personal history as a Black woman growing up in predominantly white towns in France with a historical account of the early-twentieth-century Namibian genocide—said this was the only time she made a similar video recording during the pandemic. Both Diouf and Jonathan Capdevielle, whose play Rémi—an adaptation of Hector Malot’s Sans famille, a classic fantastical French coming-of-age story—was presented in a video recording, made other audio projects during quarantine but avoided video recordings of their theatrical work. Mohamed El Khatib, whose work La dispute was presented in video recording as part of this year’s festival, said he frequently refuses to send video recordings of his work for presentation by other festivals, but made an exception for Seuls en Scène because Masse is truly a loyal programmer, accompanying artists over the course of their careers rather than chasing individual shows.

If you’ve ever watched a filmed version of a play, no matter how high quality, you know the notion of “live” theatre becomes less precious—you can pause, rewind, or watch the recording again later. To that end, Baptiste Manier from the Comédie Française shared in the festival’s “state of the field” conversation that when the Comédie Française was creating content for their livestreaming service during the pandemic, they decided not to give audience members the ability to rewind, saying that just as if you showed up late to the theatre, you would miss the beginning of the show, so it should be in their virtual offerings. This helped to make the transition between realms possible while insisting upon theatre’s ephemerality.

Where this year’s Seuls en Scène festival was able to offer ephemerality was in the live artist talkbacks (often stretching into the wee hours of the morning for artists located in France). As El Khatib said, moving the audience talkback to a Zoom format made it an incredibly more intimate experience. We’re all familiar with the conventional post-show talkback in a theatre, where someone in the audience raises their hand to ask a question and has to wait for the microphone to be passed to them in order to ask it, and then once the question has been answered the same ritual is performed until a perfunctory twenty minutes has passed. Instead, over Zoom, the talkback becomes more of a friendly conversation, with everyone able to look into each other’s eyes (and homes!) and express themselves in a way that feels more comfortable and less stilted. The artists especially seemed better able to enjoy the more fluid, dynamic conversations about their work, and anglophone audience members seemed more willing to brave asking their questions in French.

The easy intimacy of the Zoom talkback was unfortunately what most artists I interviewed reported as the biggest element lacking from their festival experience overall. None of the artists whose work was presented in the festival watched any of the other festival offerings, citing a variety of reasons for their lack of availability (time difference, a busy rehearsal schedule, not feeling excited about watching someone’s work on Zoom even if they’ve enjoyed it live). Astrid Bayiha, who read excerpts of unrequited love scenes by Jean Racine, a seminal seventeenth-century French playwright, along with Sandy Ouvrier for the festival this year, said, “Since we’re not all in the same place, it’s much more difficult to interact with the other artists. Everyone’s in their own little world, often working on other projects at the same time, so it’s much less natural.” Although it’s difficult to quantify those personal interactions as a metric of success, they are the glue that holds an in-person festival together, and their loss is felt that much more deeply in this time of global social isolation.

While artists missed the interpersonal interactions of an in-person festival, it’s intriguing that the increased access to this year’s edition of the festival (…) didn’t necessarily equate to more audience engagement.

While artists missed the interpersonal interactions of an in-person festival, it’s intriguing that the increased access to this year’s edition of the festival—thanks to its virtual format, especially for work coming from abroad—didn’t necessarily equate to more audience engagement. Online viewership numbers for this year’s festival reflect comparable audience sizes to years past, although this year’s viewership drop-off rate is significantly higher, as it’s much easier to stop watching a video than to walk out of a play. Masse observed in real time that the faithful festival followers showed up, as well as some students, but he didn’t see a marked change in audience attendance this year. Of course marketing resources don’t necessarily increase because everything is suddenly online, and audience attention spans are facing other challenges, even if accessibility to the material has increased. One can imagine Masse’s varied programmatic offering certainly helped to retain the festival’s “faithful followers” this year.

Perhaps no marked change in audience engagement reflects this same hesitancy to attend virtual programming, as audience members (like myself) don’t want to just see a play, they’re craving the whole physical experience of theatregoing. As Diouf said, “Now more than ever, the idea of live theatre with actors in front of us is something I’m missing. I really hope it doesn’t disappear.” El Khatib agreed, “Video recordings are neither the place nor the role of theatre. They don’t replace theatre’s fragility. I can’t watch a play online, I can’t make myself do it.” Siéfert expressed the same sentiment, saying for her, “Theatre is about the shared experience with others.”

Given that consensus, I’m interested in the insatiable artistic impulse for theatre professionals to do something theatrical, even if it’s not exactly what we want to be doing. The Comédie Française broached their pandemic programming by asking themselves how they could continue to fulfill their mission as an organization serving the public when they could no longer welcome the public into their theatre. Like Masse, like most theatremakers, they turned to digital programming. Less nobly, there are of course capitalistic pressures to produce, despite all odds, driving us forward. As Masse said, “We’re in a digital world now, we need to recognize that.” Adapting our work to the virtual world is a survival strategy, responding to the demands of both capitalistic pressures and our own internal creative instincts.

a sandy desert

Photo taken by playwright Penda Diouf during her travels in Namibia, detailed in her play Pistes, a reading of which was featured at Seuls en Scène Festival in October 2020.

And even though artists did not participate in as much of the festival as they would have liked, they were universally grateful to Masse for creating this digital edition. Diouf thanked Masse and the entire team at Princeton for their “mental flexibility and agility in organizing a festival that could exist, despite everything.” As the character Vitalis, the ringleader of a theatrical troupe in Capdevielle’s Rémi, says, “In the battle of life, we don’t do what we want.” Although Rémi was created before the pandemic struck, those wise words reflect the reality of theatre artists around the globe chafing in a virtual world, but still making work because… what else are we supposed to do?

French theatre artists were in a particularly tender moment during the interviews for this article, as France reimposed a curfew (in Paris and other densely populated regions of the country) on 14 October 2020, complicating rehearsal and production schedules that had been back underway. While American theatre has languished in a state of semi-quarantine since last spring, thanks to the success of the French quarantine, actors in France were back on stage performing to live (masked, physically distanced) audiences. The reimposition of the curfew, with whispers of a possible second lockdown, hit French artists hard as they were just remembering the sensation of live theatre.

Bayiha explained that safety protocols required everyone in the building to wear a mask at all times, except for actors performing on stage. She said she has always felt the stage is a place of freedom, but the act of removing her mask to step on stage emphasized the liberation the stage can offer. As I conducted my interviews last fall, the pandemic was taking center stage once again in France, reminding artists that everything is in flux and will continue to be until we’ve rid ourselves of the virus once and for all. Until that time, at least we have the digital world to connect us, and to remind us we’re all in this together.

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Il faut le dire ouvertement : je déteste les pièces présentées sur Zoom. Cela ne veut pas dire que je refuse de regarder les pièces sur Zoom, ni que j’éprouve un quelconque mépris envers leurs créateurs—j’ai même eu la chance de présenter mes propres écritures en lectures publiques sur Zoom au cours de la pandémie. Cependant, quand j’assiste aux pièces sur Zoom, c’est avec un sentiment d’obligation, d’accomplissement d’un devoir envers le théâtre ; jamais avec ce frisson d’anticipation ardent que le parfum d’une salle sombre peut m’évoquer. Donc, c’était assez rassurant d’entendre Florent Masse, maître de conférences à l’université de Princeton et directeur artistique du festival de théâtre français Seuls en Scène, admettre ceci : « le théâtre virtuel n’est pas à mon goût, bien sûr ». Et pourtant, face à la réalité de la pandémie, Masse, pour cette édition du Festival, a relevé le défi de présenter une programmation entièrement sur Internet, et, je le dois dire, je l’ai appréciée.

Masse a fondé le festival Seuls en Scène en 2012, en étroite collaboration avec le Conservatoire national supérieur d’art dramatique à Paris—un partenariat qui dure toujours—et le Festival a connu une croissance exponentielle depuis. Dans un esprit d’échange artistique, Seuls en Scène offre non seulement une chance aux artistes français et francophones (pour plusieurs, leur première) de jouer aux États-Unis, mais aussi un accès sans pareil pour le public américain à leur travail, en offrant gratuitement les billets du Festival. Cette année, dans les affres de la pandémie mondiale, Masse, comme nombre d’autres programmateurs, devait se dépêcher de réinventer la proposition pour septembre. Masse a suivi de près le processus de décision du Festival d’Avignon, l’un des festivals de théâtre les plus prestigieux de France et un modèle pour les programmateurs dans le monde entier, regardant leur programmation d’été annoncée le 8 avril 2020, puis l’annulation complète du Festival quelque cinq jours plus tard. Bien que Masse ait gardé espoir le plus longtemps possible depuis le début du confinement, en mai, il a pris la décision de présenter l’édition 2020 du Festival en format virtuel.

a desert road leading toward mountains

Photo taken by playwright Penda Diouf during her travels in Namibia, detailed in her play Pistes, a reading of which was featured at Seuls en Scène Festival in October 2020.

Masse ne voulait pas simplement demander des captations vidéo de leur travail aux artistes qu’il avait eu l’intention de présenter cette année ; à la place, il a créé un programme formé de captations vidéo, de lectures « publiques », d’un documentaire sur le processus de création et d’une série de pièces de docu-théâtre. De plus, Masse a mené une conversation sur l’état des festivals et des théâtres en France avec trois administrateurs dans le milieu des arts professionnels venant de théâtres français importants (la Comédie-Française, le Festival d’Avignon et le Festival d’Automne) et a animé des discussions avec le public à la suite de la plupart des œuvres dramatiques présentées. Masse s’est inspiré du Festival d’Aix-en-Provence pour varier sa programmation, ce qui a prévenu la fatigue du public sur Zoom tout en empêchant le festival d’offrir une formule répétitive mais plutôt un contenu varié, en live et préenregistré, avec un amalgame de documents vidéo, audio et texte que le public pouvait découvrir.

Le Festival virtuel a eu lieu du 10 au 20 septembre 2020, et plusieurs des artistes de cette année s’intéressaient à savoir comment l’espace virtuel changerait la relation du public au travail qu’il regarde. Des pièces comme celles de la série Rituels d’Emilie Rousset et Louise Hémon ont été créées avant la pandémie précisément pour ce type d’espace quasi-cinéma, quasi-théâtre, en combinant les talents des artistes de théâtre et du documentaire, respectivement ; la série Rituels examine quatre différents rituels humains (l’anniversaire, le vote, le baptême de mer et le grand débat) avec un(e) comédien(ne) recréant pour chacun le verbatim des entretiens produits avec des professionnel(le)s issus de chaque secteur, se moquant du contenu des entretiens aussi bien que du style documentaire. Une autre présentation qui a adroitement comblé l’écart entre les deux médias était le documentaire sur la création de la pièce Du sale! de Marion Siéfert et Mathieu Bareyre. Leur film souligne l’occasion qu’offre le décalage du virtuel pour la collaboration, en donnant aux spectateurs un coup d’œil vif à leur procédé au lieu d’une version filmée et plate de leur production.

Masse ne voulait pas simplement demander des captations vidéo de leur travail aux artistes qu’il avait eu l’intention de présenter cette année.

Plusieurs artistes ont exprimé lors de nos entretiens combien ils luttaient contre leur propre résistance à la transition vers un monde virtuel, plusieurs d’entre eux refusant même les autres demandes de travail virtuel de la part des théâtres cette année. Penda Diouf, qui a enregistré une lecture de son texte Pistes sur vidéo pour le Festival—le récit véridique de Diouf, une femme noire élevée dans des villes à majorité blanche en France, raconté en parallèle avec le génocide namibien du début du vingtième siècle—a dit que c’était la seule captation vidéo qu’elle produisait depuis le début de la pandémie. Diouf et Jonathan Capdevielle, dont la pièce Rémi—une adaptation de Sans famille d’Hector Malot, une magnifique histoire classique française sur le passage à l’âge adulte—a été présentée en captation vidéo, ont créé d’autres projets audio pendant le confinement, mais ont évité de filmer leur travail. Mohamed El Khatib, dont la pièce La dispute a été présentée par captation vidéo au Festival cette année, m’a dit qu’il refuse fréquemment les demandes provenant d’autres festivals concernant les captations vidéo de son travail, mais il a fait une exception pour le festival Seuls en Scène parce que Masse est un programmateur vraiment fiable, qui accompagne des artistes tout au long de leurs carrières au lieu de courir après des spectacles.

Si vous avez déjà regardé la captation vidéo d’une pièce, peu importe sa qualité, vous savez que l’idée de théâtre « vivant » perd son caractère précieux—vous pouvez la mettre sur pause, revenir en arrière, ou la revoir plus tard. Pour éviter ces conditions, Baptiste Manier de la Comédie-Française, durant la conversation sur l’état des festivals et théâtres, a mentionné que, quand la Comédie-Française créait du contenu en live pendant la pandémie, elle a décidé de ne pas donner au public la possibilité de revenir en arrière, comme lorsque vous arrivez au théâtre en retard et que vous manquez le début du spectacle ; ainsi il en serait dans leurs créations virtuelles. Cela a aidé à rendre la transition possible entre les médias, de même qu’à insister sur la fugacité de théâtre.

Là où cette édition du festival Seuls en Scène pouvait proposer en quelque sorte de la fugacité, c’était dans les conversations en live avec les artistes (qui se déroulaient jusqu’à très tôt le matin pour les artistes qui habitent en France). Comme El Khatib le mentionnait, la programmation sur Zoom des discussions avec le public a rendu l’expérience beaucoup plus intime. On connaît bien la discussion traditionnelle au théâtre après la performance, où un membre du public lève sa main pour poser une question et doit attendre que le microphone lui soit passé pour parler, et quand on a répondu à sa question, le même rituel est répété pour la forme jusqu’à ce qu’une vingtaine de minutes soit passée. À l’opposé, sur Zoom, la conversation devenait plus amicale, puisque tout le monde pouvait se regarder dans les yeux (et de chez eux !) et s’exprimer d’une façon plus confortable et moins guindée. Les artistes paraissaient plus aptes à apprécier les conversations, plus fluides et dynamiques, sur leur travail, et les membres du public anglophones semblaient plus disposés à oser poser leurs questions en français.

L’intimité facile de la discussion avec le public sur Zoom était malheureusement ce que la plupart des artistes que j’ai interviewés ont relaté comme le plus grand manque dans leur expérience globale du Festival. Aucun des artistes qui présentaient leurs travaux au Festival n’a regardé les autres propositions de la programmation, donnant des raisons variées pour leur manque de disponibilité (le décalage horaire, un calendrier de répétitions occupé, l’absence de désir de regarder le travail de quelqu’un par Zoom même s’ils l’avaient aimé en live). Astrid Bayiha, qui a lu des extraits de scènes d’amour non réciproque par Jean Racine, un grand dramaturge français du dix-septième siècle, avec Sandy Ouvrier pour le Festival cette année, a dit : « Comme on n’est pas tous au même endroit, c’est très compliqué d’échanger avec d’autres artistes. Tout le monde est dans son petit coin, souvent avec d’autres projets en même temps. C’est beaucoup moins évident. » S’il est difficile de quantifier des interactions personnelles comme des indicateurs de succès, elles sont la colle qui unit un festival en présentiel, et leur perte s’est ressentie d’autant plus profondément pendant cette période mondiale d’isolation sociale.

Même si les interactions en personne lors d’un festival ont manqué aux artistes, c’est intéressant de constater que l’accessibilité accrue lors de cette édition du Festival (…) n’a pas nécessairement rassemblé un public plus important.

Même si les interactions en personne lors d’un festival ont manqué aux artistes, c’est intéressant de constater que l’accessibilité accrue lors de cette édition du Festival—grâce à son format virtuel, surtout pour les pièces venant de l’étranger—n’a pas nécessairement rassemblé un public plus important. Les statistiques de visionnement de l’édition 2020 du Festival reflètent un public aussi important que celui des années précédentes, alors que le taux de chute d’audience est beaucoup plus élevé, parce que c’est beaucoup plus facile d’interrompre une captation vidéo que de sortir d’un spectacle. Masse a observé en temps réel que les fidèles du Festival sont venus, ainsi que quelques étudiants, mais il n’a pas vu de changement spectaculaire dans le public cette année. Bien sûr, les ressources en marketing n’augmentent pas nécessairement parce que soudainement tout existe en ligne, et la capacité de concentration du public se trouve face à d’autres défis, même si l’accès au matériel artistique est accru. On peut supposer que la programmation variée offerte par Masse a sans aucun doute aidé à retenir les « fidèles » du Festival cette année.

Peut-être cette absence de changement dans la taille du public reflète-t-elle la même hésitation à assister à une programmation virtuelle, cette hésitation où les membres du public (comme moi) ne veulent pas seulement regarder une pièce, mais ont besoin de l’expérience physique totale liée à l’activité d’aller au théâtre. Comme Diouf le mentionnait : « Plus que jamais, l’idée d’un théâtre vivant avec des comédiens devant nous, c’est quelque chose qui me manque. J’espère vraiment que ça ne disparaîtra pas ». El Khatib abondait dans le même sens : « Une captation, ça n’est ni l’endroit ni la place du théâtre. Ça ne remplace pas la fragilité du théâtre. […] Je ne peux pas regarder une pièce en ligne, je n’y arrive pas ». Siéfert a exprimé le même sentiment, en disant, à son tour : « Le théâtre, pour moi, ce n’est pas de regarder une pièce en ligne, c’est de partager avec les autres. »

Étant donné ce consensus, je m’intéresse à la compulsion artistique insatiable qui conduit les professionnels du théâtre à faire quelque chose de théâtral, même si ce n’est pas exactement ce qu’on veut faire. La Comédie-Française a abordé sa programmation pendant la pandémie en se demandant comment continuer à remplir sa mission en tant qu’organisation servant le public quand elle ne pouvait plus accueillir le public dans son théâtre. Comme Masse, comme la plupart des gens de théâtre, ils se sont tournés vers la programmation numérique. Moins noblement, il y a bien sûr la pression capitaliste de produire, malgré tout, qui nous encourage. Comme Masse le signalait : « On ne peut pas ignorer qu’on est maintenant dans un monde numérique. » L’adaptation de notre travail au monde virtuel est un moyen de survie, qui répond aux demandes des pressions du capitalisme et à nos instincts créatifs personnels.

a sandy desert

Photo taken by playwright Penda Diouf during her travels in Namibia, detailed in her play Pistes, a reading of which was featured at Seuls en Scène Festival in October 2020.

Et même si les artistes ne participaient pas au Festival autant qu’ils l’auraient aimé, ils étaient unanimement reconnaissants à Masse d’avoir créé cette édition numérique. Diouf a remercié Masse et toute l’équipe de Princeton pour « leur souplesse d’esprit et leur agilité dans l’organisation d’un festival qui peut exister, malgré tout ». Comme le dit le personnage de Vitalis, à la tête d’une troupe de théâtre dans Rémi, de Capdevielle, « la vie est une bataille dans laquelle on ne fait pas ce qu’on veut ». Même si Rémi a été créé avant la pandémie, ces sages paroles reflètent la réalité des artistes de théâtre autour du monde qui travaillent d’arrache-pied dans un monde virtuel, mais continuent à créer parce que… que doit-on faire d’autre ?

Les artistes français de théâtre vivaient un moment particulièrement critique pendant les entretiens produits pour cet article, puisque la France avait imposé un nouveau couvre-feu (à Paris et dans d’autres zones densément peuplées du pays) le 14 octobre 2020, ce qui a compliqué les calendriers de répétitions et de productions en cours, qui avaient été rétablies. Pendant que le théâtre américain dépérissait dans un état de demi-confinement depuis le printemps dernier, les comédiens en France jouaient sur scène devant public (masqués et pratiquant la distanciation physique). La réimposition du couvre-feu et la rumeur à propos d’un deuxième confinement possible ont frappé fort les artistes français au moment où ils avaient commencé à se souvenir de la sensation du théâtre en live.

Bayiha a expliqué que, selon les protocoles de sécurité, le port du masque était requis en tout temps et pour tout le monde dans le bâtiment, sauf pour les comédiens pendant leur performance sur scène. Elle a dit que le plateau a toujours représenté pour elle un espace de liberté, et le geste d’enlever son masque pour monter sur scène a mis en valeur cette liberté que le plateau peut donner. Quand je faisais mes entretiens en automne dernier, la pandémie reprenait le rôle principal en France, rappelant aux artistes que tout change et changera jusqu’à ce qu’on se libère du virus une bonne fois pour toutes. En attendant, au moins on a le monde numérique pour nous connecter et nous rappeler que nous sommes tous ensemble.

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