Seven Performers Living in Bogotá / Siete artistas viviendo en Bogotá

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Living through difficulties is not new for artists, nor for humankind. In Colombia, artists are used to having more than one job to keep up with bills and live a pleasant life, though of course this is not an exclusive condition of this country or this era. With the COVID-19 pandemic, humans are experiencing obstacles that feel new—it has been a roller coaster of challenges and emotions.

Theatre artists have found ways to face the unexpected changes, like turning to digital content. Even renowned theatre festivals are presenting online—FESTA, an important Colombian theatre festival that chose to be online this year, streamed projects from local and international groups. But even with these efforts, it is difficult to stay afloat, so the quest for financial resources doesn’t stop. Artists need to keep making art. While creating brings joy and social awareness to different communities, it also brings food to the artists’ tables.

Colombian artists are trying to figure out how to get out of this alive, united, and stronger. As a writer and performer myself, I decided to take part in an emerging group called the Elementals alongside three other women: María Luisa Velásquez Partida, a Mexican dancer and performer who had the idea of creating a lab to experiment with our bodies; Gyna Gutierrez Cruz, a plastics artist and performer; and Katherine Ardila, an actress and performer. We formed a month after quarantine began with the purpose of conceiving a creative space with our own rules, stirred by the desire to share knowledge, move our bodies, and connect with ourselves. At the time I had an office job and I felt my connection with my body was missing, so it was perfect timing.

Our first two encounters were an incredible awakening for me. We made aesthetic compositions inspired by conditions given by us. On one occasion, Gyna shared with us a movie from Rebecca Horn; we watched it before the meeting. In one scene the actress merges with her environment: she moves around a “jungle” as a “plant.” Inspired by it, each of us built an image in front of the camara, in which our bodies performed as an element. It was like a meditation—I was able to be inside myself without overthinking. In the midst of the uncertainty due COVID-19, the Elementals has been a shiny glimpse of hope for me.

Thinking over my experience, I was curious about the impact of quarantine on the lives of well-known theatrical artists, the ones who had a full schedule for 2020 and depend economically on art or teaching art. I reached out for three established artists in Bogotá’s scene—Rodrigo Rodriguez, Sirley Martinez, and Jimmy Rangel—to ask them a few questions.

The Issue with Governmental Artistic and Cultural Decrees

In Colombia, the Ministry of Culture leads the formulation of policies, programs, and projects that promote the potential of the cultural and creative economy. The programs and projects are a significant source of income for a lot of artists, theatre groups, and theatres. The Ministry of Culture has created decrees for the culture sector with the purpose of developing culture and protecting cultural patrimony.

Rodrigo Rodriguez, an actor, playwright, director, and founder of Teatro Ditirambo, had applied in 2018 for a district cultural stimulus program under the public shows law, which awards public money to companies so they can invest in infrastructure and equipment for performing arts presentations. Teatro Ditirambo was one of the winners of the grant that year. With the budget they were given, they renovated the building they rent to serve them better as a theatre and bought lighting and sound equipment.

The public shows grant comes with a time clause: theatres must function for ten years after receiving the grant. If they stop before the established time, they must return the total grant to the district. This clause wasn’t an inconvenience before the pandemic, but in the current situation it has been a big issue, because since the art scene has stopped, Teatro Ditirambo is having a difficult time paying rent. Rodrigo thought of creating a temporary parking lot or a restaurant at the theatre to make money, but the requirement on the grant is that the theatre can’t be used for activities apart from performing arts, even if it is temporary.

Rodrigo tried to negotiate with the Ministry of Culture about the time clause. “This is going to last a long time, even if the vaccine is found tomorrow,” said Rodrigo. “And even if we are told we can open theatres a day after tomorrow… until economic activity reactivates, we have to wait at least one more year.”

The theatre company is asking the Ministry of Culture to reduce the time clause to one year so they can have the liberty to use the building for other kinds of economic activities until the art scene settles again. “For the Ministry, the decree is unchangeable, and if we leave the building, we must return the full budget. But Ditirambo used that money properly,” said Rodrigo. “If the clause is irremovable, we are doomed to pay month after month of rent without an income and obviously we are not in any condition to do that.”

Another problem with government assistance is that the grants they give can’t be used by theatres for administrative purposes, they have to go to the production of plays. This is a major issue, as the government wants to save the culture but not the places where it is created, and they are not aware of the conditions theatres are facing during quarantine. For me, the fact that the government sticks to this policy, not changing it in a time like this, says a lot. It almost seems like the government is hiding behind a political facade and forgetting the responsibility of helping the theatre scene. Although they have created new grants to support artists during quarantine, what happens to those who do not manage to access them? This raises the question: Why are the policies more important than the people who are impacted by them?

Ditirambo is only one example of a public theatre that is struggling—Teatro Petra is another, and Teatro Libre, which is a private theatre that doesn’t use public funds, is struggling as well. I hope that the supportive public will help keep these theatres afloat.

Colombian artists are trying to figure out how to get out of this alive, united, and stronger.

Teaching Drama During Quarantine

Arts teachers are experiencing a different kind of difficulty during quarantine. Sirley Martinez is an actress, playwright, and performing arts teacher who works at the Bogotá campus of the National Pedagogical University of Colombia. For her, the most difficult thing about adapting to teaching performing arts online has been communication—primarily due how internet works. When doing readings that include all students, it has been difficult to keep up the rhythm of the lecture due to the slowness of some of the students’ internet. To get a better connection, sometimes the students have to deactivate their cameras, which makes it harder and stranger to rehearse plays, because they are running dialogues without seeing each other. Coordinating the creation of a play online has also been difficult, as it includes multiple channels of communication that create confusion, primarily in the scheduling of the meetings. The process is so different from building ideas in the same place as collaborators.

As difficulties brought on by the pandemic appeared, Sirley has been learning new teaching methods. This year, her sixth-semester students were supposed to finish the creation of a play they had been working on and do multiple presentations outside Bogotá, as the main goal of sixth semester is to do shows outside the city, bringing plays to places that are unable to see theatre often and for the students to have an opportunity to experience their field in a professional way.

The class already had an agenda organized, but due to the circumstances they were not able to travel. Despite this, Sirley and her students were able to adapt to the situation: they finished the play, and—with security measures in place—got together to record it. Sirley and the students had to look for other places to present the piece, because the ones that were scheduled didn’t have the platforms to present it online. Plus, in areas that are not used to theatre, it is difficult to drive the attention of audiences if theatre is not live. So, instead, Sirley’s group ended up finding theatres in cities near Bogotá and were able to present their work and talk about it with online viewers in real time.

On top of all her academic work, Sirley has had to manage her own artistic work. Before quarantine, she was working on multiple projects, including a play called The Harm Boy and another play she wrote and directed called Cangrejo. When the pandemic hit, the theatres involved offered to present her plays online for free, but the recordings she and her team had created were not meant for the public and, because their earnings were going to come from the tickets sales, they decided to postpone.

Sirley thinks that at the end of quarantine, independent theatre groups are not going to have places to perform. Typically, companies that own theatres rent their places to independent groups and solo performers. But, as Sirley said: “When we can come back to stage, it’s obvious to me that theatres are going to present their own plays first. The companies that don’t own a theatre are going to be lined up, waiting for places to perform and waiting for the economy to rise so people can buy a ticket.” The situation for independent artists is going to be harder—without money and places to perform they are at the end of the list.

It almost seems like the government is hiding behind a political facade and forgetting the responsibility of helping the theatre scene.

An Adjusted Creative Process

At the beginning of quarantine, Jimmy Rangel, a dancer, choreographer, and director, spent most of his time resting and adjusting to the changes that came with the pandemic. “The first phase of quarantine was overwhelming for me,” he said. Before COVID-19, he had been feeling lucky: he had a full agenda, with work trips and performances scheduled till next year. But then everything was cancelled, which forced him to slow down.

For Jimmy, the shift brought on a new way of approaching art—putting in the time and the care necessary for it. “I’ve had the time to observe myself and my work,” he said. “That’s been my creative process.” Slowing down has also allowed him to see other people’s work—work he never stopped to see before—which has been an amazing way for him to spend his free time. It has also allowed him to recognize social problems attached to the art scene. By having more time to read the news and speak to his fellow colleagues, he realized how there is little support from the government for some people, how the public education budget for art is minimal, and that without that education, fewer people attend theatre. The few job opportunities is another issue: there are fewer jobs but more artists and art students.

Now, Jimmy is working on an adaptation of Antigone from Sófocles, and thanks to his new way of approaching the creative process, he has realized that the current Antigone is not the same as the one he wanted to do five months ago. An advantage of quarantine has been the extra time: he’s been able to watch plays from around the world from a variety of theatrical genres. Now, he has a wider range of plays to come back to for inspiration. He feels this new access, which didn’t exist before, has been an advantage of quarantine.

With this new experience of lockdown, Jimmy has also felt inspired to return to performing on the streets, which he did at the beginning of his career. He feels that Greek theatre and street theatre have things in common, such as the open spaces and the closeness to people. His instincts are leading him to the streets—he wants to experience and create a new normal for theatre there. For him, bringing art to the street is like returning to the roots of the discipline. “The moment you leave the black box, the tricks are more difficult to make, because on the stage you can control almost everything,” he said.

Street theatre is one of the main attractions of the Iberoamerican Theatre Festival of Bogotá, the biggest festival in Latin America. It’s been happening every two years since 2008 and brings in guests from all over the world. The amazing thing about this festival is the street theatre, because everyone can access it for free—it is a fantastic way to bring the art of theatre closer to people who don’t have the income to go to expensive plays. In La Candelaria, the oldest neighborhood in Bogotá, there are clown performances—a kind of street theatre that mixes juggling and gymnastic to tell a story in a funny way.

Street theatre is mainly used to make political statements, but it also is used to be closer to the public, which is one of the reasons Jimmy wants to go back to it. “I left the streets because the stage gave me the safety to make any kind of trick,” he said, “and now I want to come back to find out the ways to make tricks in the streets.”

Teaching gives me hope at this time because it brings a profound approach to art. If you know how to teach, you know how to create.

The Elementals

It’s time to come back to the Elementals, the group I belong to, part of my inspiration to keep making art. I want to share deeper details of our creative process. In June, we held four meetings, one per week, and each of us members directed one of the encounters. After the one Gyna directed, where we performed as an element, Katherine staged one where we played with the idea of an opposite self—the person we are not, someone who helps us see how we are and what we don’t like about ourselves. I was in charge of the third one, and my idea was to create a corporal narrative—we had to find movements inspired by the sensations we felt listening to music, and with those movements we created a short story. It was great because in a way we ended up telling a story of how we were feeling at that moment. Luisa directed the last and most powerful encounter for me; it was the perfect ending for the cycle. Luisa asked us to bring our inner goddess to the surface and to create an altar for her. While we were performing, she read a prayer and we worshiped the creative energy inside us. It was a kind of meditation, and I felt in a peaceful state of mind and body. I felt loving and caring for myself in a non-selfish way.

I met Luisa last year and we have been friends since then, but I haven’t met Katherine and Gyna in person yet—only on screen. The weird thing is sometimes I forget we’ve never met in person because there is a connection between us. For obvious reasons we would prefer to meet in person, since we work with our bodies and it’s harder to see expressions and feelings through a screen, but even this way we’ve found hidden selves inside of us. We are building a new dream full of experimental pedagogy and horizontal relationships. Our goal is to keep creating a method to defend the need to dream, as well as learn from our emotions and communicate them in an artistic way, so we can teach others how to discover and respect their deepest selves and worship them through art.

Teaching gives me hope at this time because it brings a profound approach to art. If you know how to teach, you know how to create. From my conversation with Rodrigo I learned how attached art is with politics in my country, how as artists we depend on the government and how that is scary in untestable moments like the one we are living in right know. It is necessary to be involved in the political and cultural environment and understand how the non-fun part of theatre works. Sirley inspired me to not give up easily. She believes theatre is necessary and that we’d do it in front of our houses and in the garden if necessary, that we’ll move our bodies even during hard situations because the need to communicate and be joyful together is palpable. I believe it too. Jimmy reminded me of the urge to listen to the body’s tempos, as the creative process is full of changing emotions, and that it is important to pay attention to the body’s messages in each state. He also made me realize that slowing down can be a way to break the current reality of running without knowing where we are going.

During the lockdown, I’ve also learned from myself: that even if I must do other work until I find a way to make a living only from theatre, I will do it. I have the Elementals and my side projects to keep me passionate and to believe that it is true: humankind can rise with art.

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Con el objetivo de reivindicar a las mujeres como participes del lenguaje, el texto utiliza palabras en femenino para referirse a grupos de personas, palabras como: nosotras, artistas, estudiantes, incluyen a mujeres y a hombres.

Vivir en medio de adversidades no es nuevo para las personas, algunas afrontan obstáculos a diario, las artistas son uno de los ejemplos de resistencia. En Colombia, las artistas están acostumbradas a tener más de un trabajo, es necesario para cubrir las necesidades mínimas y para permitirse algún que otro gusto, ha sido la estrategia por mucho tiempo aquí y en otros países donde la situación económica es muy parecida. Esto se ha agravado en el transcurso del 2020, pues debido al virus COVID-19 estamos experimentando obstáculos nuevos, la cuarentena ha influido en las formas de relacionarnos y en las condiciones laborales también, hasta ahora ha sido una montaña rusa de emociones y adaptaciones.

Las artistas de teatro han encontrado maneras de hacerle frente a los cambios inesperados, por ejemplo, presentar sus obras por medio de sus plataformas digitales. Festivales de renombre también decidieron usar la tecnología para no interrumpir el evento anual. FESTA, el Festival de Teatro Alternativo de Bogotá presentó a través de su página web, obras de teatro de grupos locales e internacionales.

Incluso con estos esfuerzos es difícil que todas las artistas independientes tengan oportunidad de mantener sus finanzas a flote, la búsqueda de recursos monetarios ni con la cuarentena se detiene. Las artistas necesitan seguir haciendo arte, porque es la manera de poner comida en sus mesas, además de la responsabilidad de generar comunidad y consciencia social, pero ¿cómo seguir haciéndolo si ni el público, ni las artistas pueden juntarse?

Las artistas colombianas han buscado maneras de crear estrategias para sobrevivir está situación y salir más unidas y fuertes que antes. Yo soy performer y escritora, en medio de lo más álgido de la pandemia, decidí unirme junto a tres mujeres: María Luisa Velásquez Partida, una bailarina y performer mexicana, a quién se le ocurrió la idea del crear un laboratorio para experimentar con el movimiento corporal junto a sus amigas; Gyna Gutierrez Cruz, una artista plástica y performer colombiana; y Katherine Ardila, una actriz y performer colombiana. Todas residimos en Bogotá, tuvimos el propósito de concebir un espacio creativo en medio de la cuarentena, con nuestras propias reglas, inspiradas en el deseo de compartir conocimientos, mover nuestros cuerpos y conectar con nosotras mismas, decidimos llamarlo Las Elementales.

En el mes que iniciamos, yo tenía un trabajo de oficina y sentí como la conexión con mi cuerpo se perdía, fue el momento perfecto para conectarme con mujeres maravillosas de las que podía aprender. Nuestros primeros dos encuentros me ayudaron a reconectar con mi cuerpo; en uno de estos dos encuentros Gyna nos compartió una película de Rebecca Horn, nos dio la tarea de verla antes del encuentro. En una de las escenas, la actriz se movía entre una “jungla” camuflada como “planta”. Inspirada por esta escena, Gyna nos pidió construir una imagen en frente de la cámara, en la cual nuestros cuerpos performaron como un elemento más de la composición. Todo el proceso fue una meditación para mí, me permitió sentir mi cuerpo sin pensar demasiado. En medio de la incertidumbre debido al COVID-19, Las Elementales han sido un brillante rayo de esperanza para mí.

Al pensar en mi experiencia, sentí curiosidad acerca del impacto que ha tenido la cuarentena en la vida de artistas reconocidas, con agenda llena para el 2020 y aquellas que dependen económicamente del arte y de la enseñanza artística. Me contacté con tres artistas establecida en la escena Bogotana—Rodrigo Rodriguez, Sirley Martinez, y Jimmy Rangel—y les hice algunas preguntas.

Inconvenientes por los decretos artísticos y culturales del gobierno

En Colombia, el Ministerio de Cultura lidera la formulación de políticas, programas y proyectos que promueven el desarrollo del potencial de la economía cultural y creativa del país. Estos programas y proyectos son una fuente significativa de recursos económicos para muchas artistas, grupos de teatros y teatros. El Ministerio de Cultura también ha creado decretos para el sector cultural con el propósito de proteger el patrimonio cultural.

Rodrigo Rodríguez, actor, escritor de teatro, director y fundador del Teatro Ditirambo, aplicó en el 2018 a la convocaría LEP, la cual otorga un presupuesto para el fortalecimiento de la infraestructura cultural, con el fin de apoyar la restauración y adecuamiento de teatros y espacios culturales en Colombia. El Teatro Ditirambo fue uno de los ganadores de la convocatoria para la categoría de espacios en arriendo, con el presupuesto renovaron parte de la infraestructura, y adquirieron equipos de luces y de sonido.

Rodrigo me explicó que el LEP tiene una cláusula de tiempo: después de recibir el incentivo es necesario que los teatros funcionen por diez años, si por alguna razón, ellos detienen sus actividades culturales antes del tiempo acordado, deben retornar al estado el total del incentivo recibido. Los diez años no eran un inconveniente antes de la pandemia, pero debido a la cuarentena se ha convertido en un problema, ya que las actividades culturales se han detenido, Ditirambo no ha tenido ingresos económicos suficientes que le permita pagar el arriendo, lo que ha traído inconvenientes con el dueño del lugar. Rodrigo pensó en abrir un parqueadero temporal o abrir un restaurante para generar algún tipo de ingreso, pero los lugares dentro del LEP no pueden ser usados en otras actividades diferentes a las culturales, sin importar si es por un lapso corto de tiempo.

Rodrigo intentó negociar las condiciones del LEP con el Ministerio de Cultura, “Esto va a durar un largo tiempo, incluso si la vacuna la descubre mañana, he incluso si nos dicen que podemos abrir los teatros después de mañana… hasta que la actividad económica se reactive completamente, tendremos que esperar al menor un año más”. El teatro le está pidiendo al Ministerio de Cultura reducir el tiempo al menos a un año, de esta manera podrán tener la libertad de ocupar el lugar con otro tipo de actividad económica hasta que la escena artística se reactive de nuevo. “Para el Ministerio, el decreto es inmodificable, y si abandonamos el lugar, debemos devolver el presupuesto es su totalidad”, comentó Rodrigo. “Si los diez años no se pueden reducir, estamos condenados a pagar el arriendo mes a mes sin una entrada económica y obviamente no estamos en condiciones de hacer eso”.

Otro problema con las asistencias del gobierno es que los incentivos de las convocatorias no pueden ser usados para cubrir actividades administrativas, el dinero debe ser usado en la producción de obras artísticas. El gobierno tiene la intención de promover la creación de arte, pero en tiempos adversos no se preocupan por los lugares donde es creado, los gobernantes no tienen un panorama completo de las condiciones de los teatros durante la cuarentena. En mi opinión, el hecho de que el Ministerio mantenga las políticas sin posibilidad de cambios, incluso en tiempos como los que estamos experimentando, dice mucho. Parece como si el gobierno se escondiera detrás de las políticas ya existentes, creyendo que son suficientes, para no brindar ayudas en tiempos adversos. A pesar de que han creado nuevas convocatorias para apoyar artistas en tiempos de pandemia, ¿qué sucede con aquellas que no logran acceder a los incentivos? Lo anterior plantea la pregunta: ¿por qué es más importantes respetar las políticas que a las personas?

Ditirambo no es el único de los teatros públicos que están atravesando dificultades— El Teatro Petra es otro ejemplo, y el Teatro Libre, que es un teatro privado y no recibe fondos públicos, depende de su público y de donaciones para continuar en funcionamiento. Tengo la esperanza de que sus públicos los seguirán apoyando desde la virtualidad hasta que podamos retornar a la presencialidad.

Las artistas colombianas han buscado maneras de crear estrategias para sobrevivir está situación y salir más unidas y fuertes que antes.

Enseñar teatro durante la cuarentena

Las profesoras de teatro experimentan otro tipo de dificultades durante la cuarentena. Sirley Martinez es actriz, escritora de teatro, directora y profesora de teatro e investigación en la sede de Bogotá de la Universidad Pedagógica Nacional y de la Universidad Distrital Francisco José de Caldas.

Una de las cosas más difíciles para ella en la adaptación de la enseñanza de artes en línea fue la comunicación, debido a como las interacciones se dan en plataformas como Zoom, principalmente por la conexión a internet. Por ejemplo, al hacer lecturas de textos u obras de teatro que incluyen a todas las estudiantes, es difícil mantener el ritmo de la lectura, debido a que la señal a veces llega tarde o el internet de la estudiante tiene intermitencia. Algunas veces las estudiantes deben desactivar la cámara para lograr una mejor conexión, es una situación extraña repasar diálogos sin ver los rostros y las expresiones de las compañeras de escena. La coordinación fue otra dificultad, ya que la virtualidad incluye muchas vías de comunicación que en ocasiones pueden generar confusiones, principalmente en el cronograma y en los horarios de encuentro. El proceso es diferente, pues no es lo mismo crear, ensayar, improvisar estando físicamente en el mismo lugar que hacerlo por medio de pantallas.

A medida que aparecieron las dificultades provocadas por la pandemia, Sirley y sus estudiantes fueron adecuándose a las circunstancias. Este año, sus estudiantes de sexto semestre debían terminar la creación de una obra de teatro en la que venían trabajando desde quinto semestre y presentarse fuera de Bogotá, pues el objetivo principal de sexto semestre es hacer una gira, para acercar el teatro a lugares que no tienen la posibilidad de verlo de manera constante, y para que las estudiantes tengan la oportunidad de experimentar su quehacer de manera profesional.

Ya tenían las funciones programadas, pero debido a las circunstancias no pudieron viajar. A pesar de los inconvenientes la obra fue finalizada, y con todas las medidas de seguridad, se juntaron para grabarla, buscaron otros lugares para presentarla, porque los que tenían programados no estaban interesados en presentar la obra online. El grupo encontró teatros en ciudades cercanas a Bogotá, en los cuales presentaron su trabajo y pudieron hablar con el público en línea en tiempo real.

Además de su trabajo como profesora, Sirley tuvo que reorganizar su agenda de presentaciones artísticas. Tenía funciones programadas de las obras, El Niño herido, y de Cangrejo, una obra escrita y dirigida por ella, cuando la cuarentena empezó, los teatros les ofrecieron hacer las presentaciones en línea, el público las iba a poder ver de manera gratuita, pero las grabaciones que tenían en el momento no estaban hechas para muestras a público, y como en un principio iban a obtener ganancias por las entradas, Sirley y sus compañeros decidieron posponer las presentaciones.

Sirley piensa que cuando los actos culturales se permitan otra vez, los grupos independientes van a tener dificultades para encontrar lugares para presentarse. Normalmente, las compañías que tienen su propio teatro rentan el lugar a grupos y artistas independientes. Pero como dijo Sirley: “Cuando los teatros vuelvan a abrir, es obvio para mí que los teatros van a presentar sus obras primero. Los grupos que no tengan un teatro propio van a tener que hacer fila, para acceder a lugares en los que puedan presentarse y esperar el restablecimiento de la economía para que las personas se puedan permitir comprar una entrada”. La situación para las artistas independientes ha sido y seguirá siendo complicada, sin dinero y sin lugares donde presentarse, se sienten al final de la lista de prioridades.

Parece como si el gobierno se escondiera detrás de las políticas ya existentes, creyendo que son suficientes, para no brindar ayudas en tiempos adversos.

Adaptaciones de los procesos creativos

Al comienzo de la cuarentena, Jimmy Rangel, bailarín, coreógrafo y director, pasó la mayor parte de su tiempo descansando y adaptándose a los cambios que vinieron con la pandemia. “La primera fase de la cuarentena fue abrumadora para mí.” Antes de COVID-19, se sentía afortunado: tenía una agenda llena, con presentaciones programadas hasta el próximo año. Pero todo se canceló, y su ritmo de trabajo se detuvo, lo que le obligó a reducir la velocidad del proceso creativo.

Para Jimmy, el cambio supuso una nueva forma de abordar el arte al poder dedicarle el tiempo y el cuidado necesarios. "He tenido tiempo de observarme a mí mismo y a mi trabajo", dijo. "Ese ha sido mi proceso creativo". Bajar la velocidad también le ha permitido ver el trabajo de otras personas, un trabajo que no había tenido la oportunidad de ver antes, ha sido una manera increíble de pasar su tiempo libre, de aprender y recoger referentes. El tiempo en cuarentena también le permitió reconocer algunos de los problemas sociales vinculados a la escena del arte, al tener más tiempo para leer noticias y hablar con sus compañeras del sector cultural, se dio cuenta del poco apoyo del gobierno para algunas personas, cómo el presupuesto de educación pública para el arte es mínimo, y la falta de educación es la razón por la cual menos gente asiste a teatro. Las pocas oportunidades laborales es otro problema: cada vez hay menos trabajos para la población creciente de artistas y estudiantes de arte.

Actualmente Jimmy está trabajando en una adaptación de Antígona de Sófocles, proyectó que pensó hace cinco meses y gracias al cambio de ritmo se ha dado cuenta que la Antígona actual no es la misma de hace cinco meses, debido en parte a una ventaja de la cuarentena, el tiempo extra, pues ha podido ver obras de variados géneros teatrales y obras de teatro de todas partes del mundo, debido a esto tiene una gama más amplia de referentes a los cuales acudir en busca de inspiración.

Con la experiencia del encierro, Jimmy ha sentido la inspiración de volver al teatro de calle, al comienzo de su carrera fue una gran experiencia para él. Siente que el teatro griego y el teatro de calle tienen cosas en común: los espacios abiertos y la cercanía a la gente son algunas de las similitudes. Sus instintos creativos lo están conduciendo fuera de los teatros cerrados: quiere experimentar y crear una nueva normalidad para el teatro afuera. Para él, llevar el arte a la calle es como volver a las raíces de la disciplina. “En el momento en que sales de la caja negra, los trucos son más difíciles de hacer, porque en el escenario puedes controlar casi todo”, comentó Jimmy.

El Festival Iberoamericano de Teatro de Bogotá, es el festival más grande de Latinoamérica. Ha estado sucediendo cada dos años desde 2008 y recibe a personas de todo el mundo. El teatro de calle es el mayor atrayente del público, es sorprendente y accesible, ya que se puede asistir de forma gratuita; es una forma fantástica de acercar el teatro a personas que no tienen la posibilidad de comprar una boleta. En La Candelaria, el barrio más antiguo de Bogotá, se presentan grupos de Clown, un tipo de teatro que mezcla malabares y gimnasia para contar una historia de una manera divertida.

El teatro callejero se ha usado principalmente para hacer declaraciones políticas, pero también es una forma de acercarse al público, que es una de las razones por las que Jimmy quiere volver a hacerlo. "Salí de la calle porque el escenario me dio la seguridad para hacer cualquier tipo de truco y ahora quiero volver a las calles para hacer teatro con menos trucos".

En estos momentos, la enseñanza me da esperanza porque permite un acercamiento profundo al arte. Si sabes enseñar, sabes crear.

Las Elementales

Es momento de seguir contándoles acerca de las Elementales, el grupo que me hace sentir que pertenezco, es parte de mi inspiración para seguir haciendo arte. Quiero compartir con más detalles nuestro proceso creativo. En junio, tuvimos cuatro encuentros, uno por semana, y cada una de nosotras se encargó de una de las sesiones. Después del primero que dirigió Gyna, donde fuimos un elemento dentro de una composición, Katherine nos invitó a jugar con la idea del “yo opuesto”: la persona que no somos, la cual nos ayuda a destacar la que sí somos y ver lo que no nos gusta de nosotras mismas. Yo estuve a cargo del tercer encuentro, el ejercicio consistió en crear una narrativa corporal usando movimientos inspirados en las sensaciones que sentimos al escuchar determinada música; fue interesante porque de alguna manera terminamos contando la historia de cómo nos estábamos sintiendo en ese momento. El último encuentro y a mí parecer el más poderoso fue el final perfecto para el ciclo de junio, Luisa nos inspiró a traer a la superficie a nuestra diosa interior, y nos invitó a crearle un altar. Cuando las cuatro ya estábamos en los altares, nos leyó una oración y con esta adoramos a las diosas internas, a la energía creativa dentro de nosotras. Fue un tipo de meditación y yo sentí paz mental y corporal. Sentí que me amaba y me cuidaba de una manera no egoísta.

Conozco a Luisa desde el año pasado y hemos sido amigas desde entonces, pero todavía no he conocido a Katherine y Gyna en persona, solo las he visto por medio de la pantalla. Lo extraño es que a veces lo olvido porque hay una conexión entre nosotras, aunque preferiríamos reunirnos en persona, pues trabajamos con nuestros cuerpos y es difícil ver las expresiones y los sentimientos a través de una pantalla, incluso de esta manera hemos descubierto partes ocultas de nosotras mismas. Estamos construyendo un nuevo sueño con pedagogía experimental y formas de relacionamiento horizontales. Nuestro objetivo es seguir creando un método para defender la necesidad de soñar, de aprender de nuestras emociones y tener la oportunidad de comunicarlas por medio del arte. Algún día podremos enseñar a otras personas a descubrir y respetar sus profundidades emocionales a través del arte. En estos momentos, la enseñanza me da esperanza porque permite un acercamiento profundo al arte. Si sabes enseñar, sabes crear.

La conversación con Rodrigo me ayudó a entender parte de la conjunción del arte con la política pública en mi país, las maneras en que las artistas dependemos del gobierno y la incertidumbre que esta relación genera en situaciones incontrolables como la que estamos viviendo. Es necesario involucrarse en el entorno político y cultural para comprender cómo funciona la parte no tan divertida de hacer teatro. Sirley me inspiró a no rendirme fácilmente, ella cree en la importancia del teatro, cree que seguiremos presentándonos en frente de nuestras casas, en los jardines de ser necesario, que seguiremos moviendo nuestros cuerpos en medio de todo a pesar adversidades, motivadas por la necesidad de comunicarnos y por la alegría que nos genera, y yo también lo creo. Jimmy me recordó lo urgente de reconocer y escuchar los ritmos del cuerpo, pues el proceso creativo está lleno de emociones que cambian constantemente, entonces es importante prestar atención a los mensajes del cuerpo en cada estado. También me hizo pensar que detenerse puede ser una forma de romper con la rutina de correr sin reconocer hacia dónde vamos.

Durante la cuarentena también aprendí cosas sobre mí misma; entendí que, si debo trabajar en campos no relacionados con el arte para sobrevivir, lo haré, pero para no desfallecer necesito trabajar en mis proyectos artísticos al mismo tiempo, para sentir que vivir del arte es posible. Las Elementales y mis proyectos me mantienen apasionada y aferrada a una verdad: la humanidad puede entenderse y evolucionar gracias al arte.